篇一：浅谈山水画学习的心得体会_1
【标题】<B style='color:black;background-color:#ffff66'>浅谈</B>山水画学习的心得体会【作者】罗 礼 洪【关键词】?山水画??学习方法??写生??艺术??【指导老师】陈 文 安【专业】美术学【正文】
引??????言
中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。
美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的
技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下：
一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求
1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。
怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国
家，在中国(本文来自：WwW.xiaOCaofAnweN.Com 小草范文 网:国画线描学习心得体会)美术史上，一些外来的文化传入，中国都有能力吸收消化，都曾变成为有益有滋养，促进中国绘画向更广阔的道路上发展，这难道不是事实吗？
改革开放以来，中国画突飞猛进，首先在于政治的、经济的、社会的各方面条件，而中国画得益于外来素描进一步提高了造型能力，丰富了表现力，这些事实，我看也是不容否信的，至于说有的画家没有学过素描而造诣很高，这也可能通过别的渠道而达到造型能力的提高，这是另一个问题。因为事情不是那么绝对，这个问题比较复杂，是一个学术问题，值得专题研究和探讨，这里我只初步谈谈我的看法。
2、是专业的基本功。专业的基本功，是指对于表现对象的深入研究和精确描绘的能力。中国画专业，一般分山水、花鸟、人物。例如画山水画的人，对自己专业的特定对象要进行深入研究，进行专业基本功的严格训练。一个具备一般造型能力的人，不见得能画好山水画，画山水还要有画山水专业的基本功。一定要对水、树、石、云、点景人物等进行专门研究，深入观察、研究大自然山川的组织规律，要超过一般人的认识程度，古人讲：“石分三面、下笔便凹凸之形，这就很难。山有脉络，不同的岩石有不同的纹理，千变万化，要表现好是不容易的，得下很大功夫。古人又讲：“树分四枝”。要把树的前后、左右关系画出来。画不好就只有左右两面，没有前后关系，画人物就更严格、要研究颜面、动态、手足、衣服、衣纹等等，不管画什么都要有专业的基本功，并不是只要有了一般的造型能力，就能解决一切。
3、是掌握绘画工具性能的基本功。我们画画，对自己绘画专业的工
具性能、特点、表现手法、技巧、技法都要深入研究。画中国画，对笔墨的研究要下很大功夫。宣纸、笔墨是中国画的专用工具、画中国画就得对宣纸、用笔、用墨有所认识。如何使用笔墨、笔墨在宣纸上的表现效果，都关系着中国画的特色，因此对中国画的工具运用、技法要进行专门刻苦的锻炼。
二、学习山水画需要注意的问题
一个善于学习的人，要向高手学习，甚至也可向比自己差的人学习。如有的人，他的某一想象是对的、不能达到，你吸收这一点，达到了，就是一个进步。所以我一再强调，学习面要广。学习面窄了，非常吃亏，学习最大障碍是骄傲自满，一个人骄傲自满是最无知，最浅薄的表现。
学习山水画，要做到三点：第一是学习传统，广泛吸收中、外艺术的长处，要有读遍天下名迹、名著的气概。第二是到生活中去，到祖国的壮丽河山中去写生，第三是集中生活资料，进行创作，三者有联系以有区别，循序渐进，相辅相成，逐步深入的一个全过程，绝不可偏废，作意舍掉其中一环，如果投机取巧，学序混乱，终将一事无成，在基本功中最关键的一条是写生。按毛主席的思想、实践、直接经验是第一位的，学习古人，学习外国人都是间接经验。生活是创作的源泉，生活是第一位的，写生是画家面向生活，积累直接经验，丰富生活感受，吸取创源泉的重要一环。我们要到生活中去、观察、体验、研究、分析。然后进入创作过程，使自己的作品富有时代气息和现实感。
有些同学不肯在基础工作上下苦功夫、好高骛远、作画信笔涂抹，?以奇怪为创新，这是不对的。创新是在传统的基础上，深入观察研究客观世界，从而得到新的启发，以至发现前人没有发现的规律，因而创造了与前人不尽相同的艺术风格表现方法，这绝不是随随便便可以幸得的，人离开客观世界和前人的成果不会创造出任何东西来的。古人在客观世界中长期观察、分析、研究。已经发现了很多规律，这都是留给后人的宝贵财富，我们必须珍视认真继承。中国画取得很高的成就，在世界艺术宝库中放出奇异的光彩。但是还没有到头，还有许许多多的规律，有待我们去发现，深入生活，勇于实践是有所发现，大胆创新的前提。前人发现近处物体清楚，颜色深；远处物体模糊，颜色淡，这是在一般条件下的规律，景物出现前面亮而淡，后面暗而深的情况，与一般条件下近深远淡正好相反，又如虚实关系，近景的树，如若要与后边的景物离开，就必须留出空白，这是虚中见虚，是一个规律。但我们走进一密林，树隙的空间往往呈现黑色，同样感到虚空，这是实中见虚，与前者刚刚相反。我们一般认识，画水要光亮就必须空折，但林荫下的小溪黝黑而光亮，光亮得像宝石，像小儿的眼珠。
传统要尊重它，但有时必须突破它。前人讲各种皴、擦、点、染、线描。都是规律的总结，但与自然界相比，与无孔不限丰富的现实生活相比，这些规律的发现和总结，又显得太少了，我们还应当在实践中不断加深对客观规律的认识，不断去丰富它，发展它。因此写生也是学好山水画的一方面。
篇二：浅谈中国画线描之美
浅谈中国画线描之美
袁 博
【摘要】美术作品中重要表现因素——线。线亦称线条,是人们在认识世界、反应世界中所对自然及生活形态中最概括、简明的表现形式。中国历代画家以线条为造型运用的基本手段,在实践中积累丰富的经验,概括出许多以线描为形式的艺术美。画家通过这些基本技法来表现所描绘的对象,从而通过运笔、行笔的提、按、转、折的力度;以及线条的长短、粗细、疏密、浓淡的节奏感;还有绘画艺术本身所表现的思想感情的情感美,来给所表达的内容增加了艺术的表现力。
【关键词】线描白描骨法用笔用笔
一、中国画的线的概念
1.美术中线的概念
线是美术作品的重要表现因素,也是必不可少的因素。在二维空间中,线是面的边界线。在三维空间中,线是形体的外轮廓线和标明内在构造的结构线。线亦称线条,线条是绘画中人们认识和反映自然形态时最概括最简明的表现形式。在写实的绘画中,线条体现为画家对物态质感、量感、重力与动速的客观感应,线条依附于物态性质,反映出曲直、粗细、润涩、软硬等不同特征。中国历代画家以线条为造型最基本的手段,在长期实践中积累了极为丰富的经验。如各种描法,山水画的各种皴法等。
2.线的发展
中国画简称“国画”,指在中华民族长期的悠久历史长河中形成和发展起来的、在世界美术领域中所自成独特体系的中国民族绘画。它是用毛笔、水、墨及中国画颜料,在特制的宣纸或绢素上作画。
（1）在表现题材上可分为人物画、山水画、花竹画、禽鸟画、畜兽画、鱼虫画、宫室画等之分。
（2）在表现手段和技法上,又可分为工笔、写意、钩勒、没骨、设色、水墨等画法,各有蹊径、各有特色。
（3）按幅面样式,可以分为立轴、横卷、册页、扇面等款式。
中国画讲究笔墨、线条运用、墨色和轻重色彩,通过钩、皴、点、染;干、湿、浓、淡并用,来表现客观物象的结构。运用虚实、疏密结合和“留白”等手法来取得巧妙的构图效果。中国画的空间处理比较自由灵活,即可以用“以大观小”法,画重山叠嶂;也可以用“走马看山”法,画长江万里。中国画也重视“形神兼备”、“气韵生动”,不但主张要“外师造化”,而且还要“中得心源”。
民族的就是世界的,在世界美术领域里中国画具有特立独行的民族形式和表现风格。在描绘物象上,中国画主动运用线条、墨色来表现形体及质感,有高度集中的表现力,并与诗词、歌赋、书法篆刻相结合,达到“形神兼备”气韵生动的效果。
二、线描的艺术美
1.线描技法
在中国绘画艺术的历史中,线始终作为画面的重要组成部分和造型的主要手段而存在和发展,形成了独特的民族绘画艺术风格。要研究中国绘画艺术的特点,必须从研究线开始。用线来表现人们的思想,早在远古的结绳记事就已开始,绳即是线。象形文字的出现及其演变与发展的过程,与线有着深刻的密切的同源关系。
线是中国绘画造型的基本手段,不同于西画,西画主要依靠明暗色调,通过光投射到对象上所产生的明暗变化来造型。中国画则主要依靠线条来造型。线条不
仅用来表现物体的轮廓,也用来表现物体的质感和明暗,中国画线条变化很丰富,有轻、重、缓、急、粗、细、曲、直、刚、柔、肥、瘦等区别。而单是中国古代画人物衣服的褶纹,就总结出了十八种描法,称为“十八描”。而且古代中国画家们在实践的基础上还总结出了用笔的“五忌”、“六要”。用笔“五忌”是指忌刻、板、枯、弱、结;用笔“六要”是指一要自然有力,二要变化有联系,三要苍老而滋润,四要松灵而凝炼,五要刚柔相济,六要巧拙互用等。这些都是画家们的经验之谈,也可以作为我们品评中国画的借鉴。
早在唐代以前就有诸多关于“人物十八描”的论著。“十八描”又称“古今描法十八等”。以前的论述都没有明确的讨论用线的问题,直到明代周履靖的《夷门广牍》、汪珂玉的《珊瑚网画法》和邹德中的《绘事指蒙》中才正式叙及,成为长期以来传授线描技法的基本程式。此外还根据不同的形式和线条在写意画尤其是山水上概括有“十六皴”。
2.线描的表现力
线条语言虽然单纯,但中国画在表现不同对象和物体时,通过对线条进行各种微妙变化,使其产生了独具个性的形式语言。如根据丝绸、棉布和麻料等不同质地的物体,使用不同线型、力度、弹性的线条进行表现。这种不同变化、不同形式和不同线型的线条在人物画中被总结成“十八描”,在山水中被概括成“十六皴”,这些都是根据描绘对象和作者当时的思想感情的不同而千变万化的。
（1）力度美
中国画行笔讲究“逆”字,逆则紧,逆则劲,行笔少“逆”就是信笔,中国书画“行笔不可信笔”。信笔是运笔时只用一股顺力,笔自然一滑即过,其线必然轻浮力弱。而运笔用“逆”,笔锋在纸上无论怎样运动,总有一股相反的力在和它抗争,运笔就会感到涩,不直滑过去。由于增大了笔峰在纸上的摩擦力,就会在运笔时发出沙沙声。用逆势涩行法所作线条的边缘仿佛有毛,不那么光滑,这样就会古拙,劲健,力感极强。而信笔画出的线边缘光滑,力感自然就弱了。
谢赫六法中的“骨法用笔”,就是中国画线条重视力量,崇尚阳光之美的体现。骨法用笔:骨法原来是指人物的外形特点,后来泛指一切描绘对象的轮廓。用笔,就是中国画特有的笔墨技法。骨法用笔总的来说,就是指怎样用笔墨技法恰当地把对象的形状和质感画出来。
篇三：中国绘画艺术欣赏心得体会
中国绘画艺术欣赏
课程体会
院系名称可靠性与系统工程学院
课程 名 称 中国绘画艺术欣赏 老师李佳
姓名闫美辰
学 号 ZY1514218
2015年12月13日
通过这次人文专题课程——中国绘画艺术欣赏几次课的学习，虽然时间并不长，但是对于自己来说还是有一定的收获的。虽然之前并没有任何绘画艺术知识的学习，但是绘画艺术作为从古至今的一种艺术形式，作为承载人类社会与自然社会灿烂文化的艺术载体，是具有非常重要的意义与价值。作为一个从小画画就不好的工科女来讲，当时选这门课程时的确也不清楚这门课程到底是讲些什么内容，对自己的知识体系是否会有所提升，不过在我完成这几次课程之后，对于中国古代绘画艺术有了一个大体的认识，填补了之前这方面知识的空白。同时，之所以为欣赏课程，我想并不是要我们深入地去研究去理解中国古代绘画艺术，只要能对于古人的绘画艺术、绘画形式以及画家想传达的绘画思想有一个大体的认识就可以了。在欣赏和学习的过程中，提高自己的艺术欣赏能力，陶冶自己的情操，这些对于我们这样一直接受理性教育的工科生来说，提高自己的艺术欣赏能力绝对算是一种感性教育，更是对自己创造性思维的另一种激发与培养的方式。
课程中，老师利用五次课程分别介绍了中国近古五大时期的美术绘画艺术，分别是：原始社会至秦汉时期、魏晋南北朝时期、隋唐五代时期、宋辽金元时期和明清时期。每一个时期，都有各自不同的绘画艺术形式与特点，也体现了不同时期社会生活与人们意识的不同形态。在这五个时期里，我对于唐代时期的绘画艺术是最感兴趣的。
唐朝作为中国古代国力最为强势，社会生活最为安定，思想最为开放的朝代，也随之孕育出了繁盛的唐代艺术形式，而其中的绘画艺术也是中国封建绘画的鼎盛时期。唐代的历史也是我了解最多的一个朝代，唐代国力强盛，文化繁荣，唐太宗“柔怀万国”，贞观之治为邻近列国所仰慕。由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，儒、释、道“三教”并立，诗文、乐舞、书法、绘画以及文论莫不昌盛。唐代的绘画作为盛唐气象的重要组成部份，为中国美术史留下了璀璨的一笔，绘画名家辈出，见于史册者就达二百余人。唐代张彦远在《历代名画记》中评价初盛唐的作品是“灿烂而求备”，指绘画精神、美学追求、艺术表现和包括构图、造型、笔墨、色彩等技术因素在内的完美统一，这也是对整个唐代绘画风貌的概括。
中国传统绘画中的各个门类，在这个时期都以独立的姿态立于画坛。通过课程和文献了解，唐代的绘画已经分人物、山水、花鸟等科，技法可分工笔和写意。国画传统的核心是“意境”，“形神兼备”、“气韵生动”都是意境的内涵素质，其艺术魅力就是画已尽而意不止，笔虽止，但意无穷。不单单在于用笔，技法，更重要的在于作者要表达的思想境界。画家们的艺术审美思想和审美取向，皆取源于以儒释道为代表的传统文化。唐代绘画折射着儒释道思想的精髓，追求“天人合一”之境。佛、道理论不仅为绘画艺术提供了一个超越时空的广阔的创造空间，而且直接促进画者思想境界的提升。儒家在于对社会理想人格的塑造，在把绘画作为修身养性的手段的同时，指出其“成教化、助人伦”的道德教化作用。唐代张璪总结的“外师造化，中得心源”一直为后人所奉行，指出绘画是一种心灵化的艺术，造化和心源的凝合。唐代的画论、画史著作亦显示了唐代美学理论的深度，与当朝绘画创作一道共同谱写了大唐绘画的辉煌乐章，完善了民族绘画体系。
唐代的诸多著名画家中，我最喜欢的一位是阎立本，可能是因为我和他同姓，所以在看他的画作时，总有一种亲切感。阎立本以人物肖像画著名。他的作品用线劲健坚实，显示出刚劲的铁线描，有丰富的表现力，古雅的设色沉着而又变化，在人物塑造上不仅重视形貌的描写，而且十分着意人物心理与细节的刻画，造型准确生动，因而被誉为“丹青神化”而为“天下取则”，在绘画史上具有重要地
位。他画的《凌烟阁二十四功臣图》，由唐太宗亲自为每一位功臣写了赞语。他还画了唐太宗肖像《太宗真容》、《唐太宗纳谏图》等。他画的《步辇图》，描绘了贞观十五年唐太宗会见吐蕃使禄东赞的重大历史事件，唐太宗雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神，气氛隆重而融洽。歌颂了唐太宗的英明睿智，记录了汉、蕃两族的友好。他画的《职贡图》描绘了南洋的婆利国、罗刹二国的使节前来朝贡，途中又与林邑国结队，全幅共二十七人，画中人马各自成组，由右往左前行。描绘出初唐时“万国来朝、百蛮朝贡”的情景。
人物画是以人物形象为主体的绘画之通称，在唐代绘画中仍占主要地位，大体分为道释画、肖像画、仕女画、风俗画、历史故事画等，取得了极高的成就，无论是吴道子、阎立本、周昉、张萱还是带有西域画风的尉迟乙僧等，均对后世产生了重大的影响。唐代道释画兴盛，重要人物画家皆擅佛道壁画，当时宫殿、衙署、厅堂、寺观、石窟都有壁画装饰，气势恢宏，色彩灿烂，塑造的佛道故事中佛、菩萨、神仙等栩栩如生的形象，飞天凌空飞舞，表现天国世界的美好，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，又给人以美感与享受。壁画艺术水平也非常高超，外型描画准确而生动。唐代卷轴画也开始兴起，并因便于创作、收藏、观赏而逐渐流行。
在课程的结束，对自己的课程进行一个总结，梳理了一下课程内容以及课件知识，又自己在网上找了一些关于阎立本、吴道子的绘画评价，虽然对于同一画作也有不同的艺术评价，但大都也是对于表现手法的一些分歧，主题的脉络都是一样的。在我看来，艺术对于不同的人来说本来就有不同的理解，只不过在我们接受了一些艺术欣赏的指导和熏陶，对于理解和欣赏艺术作品就更为深入与细致，也能逐渐体会到作品所体现出来的创作者的思想与灵魂，我认为这就是学习欣赏艺术的真谛所在。最后，感谢李老师这几次课程的悉心指导与耐心讲解，在课程结束时让我有所收获有所提高。